Umjetnici su iskoristili ova otkrića na svoj način. Okrenimo se, na primjer, filmu Bridget Riley “Flow” (1964). Cijela mu je površina prekrivena tankim valovitim linijama. Prema sredini krivine postaju strmije i tu se javlja pojava nestalne struje koja se odvaja od ravni.
U njenom radu “Katarakta-III”, 1967., stvoren je efekat talasnog kretanja. U drugoj Rileyevoj crno-bijeloj kompoziciji - "Straight Curvature" (1963.) - krugovi pomaknuti u centru i ispresijecani isprekidanim linijama stvaraju efekat trodimenzionalne spirale koja se uvija. U “Fragmentu br. 6/9” (1965) istog umjetnika, crni diskovi razbacani po ravni dovode do skoka uzastopnih slika koje trenutno nestaju i ponovo se pojavljuju.
Op art umjetnici su koristili različite vizualne iluzije, oslanjajući se na osobenosti percepcije ravnih i prostornih figura. Percepcija crteža zasniva se na optičkoj iluziji: slika postoji ne samo na platnu, već u stvarnosti i u očima i u glavi posmatrača. Optičko slikanje temelji se na vizualnim iluzijama koje nastaju pri opažanju određenih konfiguracija na ravni.
na primjer:
- 1. Prilikom gledanja naizmjeničnih crnih i bijelih koncentričnih krugova, zrake koje ih seku pojavljuju se i rotiraju poput propelera
- 2. Crtež kocke, na kojem su označeni svi njegovi rubovi, ispada nestabilnim za oko, a njegove ivice stalno mijenjaju mjesta, čas se kreću naprijed, čas povlače u dubinu
- 3. Kada prelazite ravnu liniju potezima, možete se osjećati kao izlomljena linija
- 4. Preklapanje dvije geometrijske (na primjer, prstenaste) strukture daje efekat talasa
- 5. Svetla i oštro definisana forma izaziva takozvanu sekvencijalnu sliku, odnosno iluzornu formu iste konfiguracije i kontrastne boje
Optičke iluzije pomažu u otkrivanju određenih obrazaca vizualne percepcije, zbog čega su im psiholozi posvetili veliku pažnju. Vizuelni testovi koje su napravili bili su eksperimentalne prirode. Prilikom opažanja stvarnih objekata rijetko se pojavljuju iluzije. Stoga, da bi se otkrili skriveni mehanizmi ljudske percepcije, bilo je potrebno oko staviti u neobične uvjete i natjerati ga da rješava atipične probleme. Eksperimentalni grafički uzorci stvoreni, na primjer, od strane škole geštalt psihologije, doveli su do formulacije nekih pravila prema kojima se odvija proces vizualne percepcije.
Zadatak op arta je prevariti oko, izazvati ga na lažnu reakciju i izazvati “nepostojeću” sliku. Vizualno kontradiktorna konfiguracija stvara nerazrješivi sukob između stvarne forme i vidljive forme.
Op art se namjerno suprotstavlja normama ljudske percepcije. Istraživanja psihologa su pokazala, na primjer, da oko uvijek nastoji organizirati haotično razbacane tačke u jednostavan sistem (geštalt).
U optičkom slikarstvu, naprotiv, jednostavni elementi istog tipa su raspoređeni tako da dezorijentiraju oko i sprječavaju stvaranje integralne strukture.
Nervni sistem posmatrača bio je podvrgnut posebno snažnom udaru na onim izložbama na kojima su bili izloženi pokretni, svetleći, reflektujući sistem svetlosti i odsjaja. Njihovi posjetioci su na "umjetničku iluziju" reagirali vrtoglavicom i nesvjesticom.
Forsirana reakcija oka na neprirodni geštalt je refleksna, kao reakcija prsta na opekotinu. Ovdje je isključeno svjesno tumačenje. Iluzija se javlja automatski, kao rezultat kvara vidnog aparata.
Takve iluzije su zaista univerzalne prirode i ne zavise od individualne svijesti, kulture, vjerovanja i ukusa pojedinca. U tom smislu, op art kreacije su javno dostupne. Osim toga, mnoga djela ovog smjera, zbog elementarnog oblika i niske cijene materijala (papir, razne vrste plastike), lako se reproduciraju u industriji.
Na osnovu toga, umjetnici su bili ponosni na demokratičnost svoje umjetnosti.
U ovoj op art stapa se s masovnom umjetnošću. Konvergencija sa formama masovnih spektakla i atrakcija posebno je očigledna u prostornim strukturama op arta – rotirajućim, svetlucavim, stalno menjajućim sistemima izgleda, pokretnim i treperavim ravnima i volumenima.
Nalazi Jacoba Agama, Jesus-Rafaela Sotoa, Carlosa Cruz-Dieza, Julio Le Parc, Joël Steen, Jeffrey Steele i drugih kasnije su uspješno korišteni u dizajnu diskoteka, komercijalnih izložbi, svjetlosnih i zvučnih emisija i drugih javnih događaja. . Objekti se zapravo mogu kretati sa ili bez mehaničke sile.
Mobilni uređaji koji se kreću bez mehaničke sile izumio je A. Rodchenko, a nekoliko godina kasnije poboljšao ih je Amerikanac A. Calder. Njegove skulpture su apstraktne kompozicije koje se kreću zbog vibracija zraka.
I. De Soto je bio zainteresovan za optičke efekte. U njegovim radovima takvi efekti se postižu namještanjem jednog sloja na drugi. Na primjer: dva crteža na organskom staklu s razmakom između njih. Čini se da se spajaju u novom prostoru. Kasnije je Soto počeo da eksperimentiše sa linijama položenim između ekrana.
Vasarely je bio najistaknutiji predstavnik op arta kako po obimu svog stvaralaštva tako i po logičkoj potpunosti njegove metode. Istraživao je utjecaj ove umjetnosti i njenu primjenu u arhitekturi i dizajnu, što je dovelo do procvata op arta u oglašavanju i dizajnu do te mjere da je čak postojala opasnost da se ona pretvori u primijenjenu umjetnost.
Za postizanje vanjskih optičkih efekata, op umjetnici koriste materijale koji nisu vezani za slikanje (metal, staklo, plastika) ali imaju reflektirajuću površinu. Isti cilj je umjetnicima dao ideju da iskoriste izražajne mogućnosti tkanine i prozirnih materijala – omiljenu tehniku reklame i štampe koja šokira i postiže trenutne rezultate. Generacija umjetnika rođenih između 1925. i 1930., čiji rad se uglavnom vezuje za 1960-te, radit će u istom duhu - sistematizovaće dosadašnja otkrića i multiplicirati područja primjene op arta u svakodnevnom životu. Polazeći od optičkih efekata na ravni slike, nastojaće da sistematizuju svoja kompoziciona rešenja (Debourg Garcia-Rossi, Sobrino Le Parc, Demarco Morelle) i postignu prelive efekte (Morrelle, Soto, Stein); neki od njih će svoju potragu okrenuti kineticizmu (Agam Cruz, Diaz Soto, Ivaral Vardanega, Marta Boto).
Op art postepeno poprima međunarodni karakter različitim zemljama i formiraju se čitave grupe umetnika: u Italiji (Alviani De Vecchi, Colombo Marie), Španiji (Duarte Ibarrola), Nemačkoj (Hacker Mac Gravenitz), Švajcarskoj (Thalman Gerstner), SSSR-u (Vyacheslav Koleichuk). Imajte na umu da u Sjedinjenim Državama kriza apstrakcije dovodi do tvrdog ruba i minimalizma, koji su uzrokovani istim estetskim potrebama. Ovi pokreti su pripadali tradiciji Bauhausa i Mondriana. Rad Josefa Albersa, koji je studirao u Bauhausu i otišao u Sjedinjene Države, postat će osnova ovog fenomena. Radovi E. Kellyja i K. Nolanda bliski su op artu, u koji unose neizostavni atribut američke umjetnosti - gigantizam. U istom pravcu razvijala se i skulptura Tonyja Smita, Dona Džada i Roberta Morisa. Ali ubrzo su svi ovi umjetnici osjetili potrebu za „rupom“ koja se otvara u vanjskom prostoru: Cruz Diaz eksperimentira s efektima boja i postiže njihovu „ujednačenu zasićenost“, Soto nastoji da ih produbi, a Agam nastoji postići njihov reljef. Dakle, svjesno ili nesvjesno, ili možda zahvaljujući vlastitim otkrićima, op art je neprimjetno spojen s kineticizmom.
U SAD-u kriza apstrakcije stvara hard edge i minimalizam, koji su uzrokovani istim estetskim potrebama. Ovi pokreti su pripadali tradiciji Bauhausa i Mondriana. Rad Josefa Albersa, koji je studirao na Bauhausu i otišao u SAD, postat će osnova ovog fenomena. Radovi E. Kellyja i K. Nolanda bliski su op artu, u koji unose neizostavni atribut američke umjetnosti - gigantizam.
U istom pravcu razvijala se i skulptura Tonyja Smita, Dona Džada i Roberta Morisa. Ali ubrzo su svi ovi umjetnici osjetili potrebu za "rupom" koja se otvara u vanjskom prostoru: Cruz Diaz eksperimentira s efektima boja i postiže njihovu "ujednačenu zasićenost" Soto nastoji da ih produbi, a Agam - da postigne njihov reljef.
Dakle, svjesno ili nesvjesno, ili možda zahvaljujući vlastitim otkrićima, op art je neprimjetno spojen s kineticizmom.
Mogućnosti op arta našle su određenu primjenu u industrijskoj grafici, posterima i dizajnerskoj umjetnosti.
‘Nijedan slikar, mrtav ili živ, nikada nas nije učinio svjesnijim naših očiju od Bridget Riley.’ Robert Melvil, 1971
Da biste vidjeli primjere umjetnosti Bridget Riley posjetite.
Rani život – 1931 – 46
Bridget Riley sredinom 1960-ih – Fotografija: John Goldblatt
Bridget Riley rođena je u Norwoodu, u južnom Londonu 1931. Njen otac, John Fisher Riley, porijeklom iz Yorkshirea, bio je štampar, kao i njegov otac prije njega. Godine 1938. njen otac je preselio štampariju u Linkolnšir i porodica se preselila sa njim.
Porodica neće dugo provesti u Linkolnširu. Godine 1939., kada je izbio rat, njen otac je pozvan u vojsku. Bridget je zajedno sa svojom sestrom, majkom i tetkom otišla živjeti u Cornwall daleko od opasnosti od blitz-a.
U Cornwallu, Riley je kao dijete imala veliku slobodu i provodila je mnogo vremena igrajući se na liticama i plažama u blizini Padstowa gdje je živjela. Provela je sate posmatrajući promjene svjetla, boja i formacija oblaka i pohranila ono što je vidjela u sjećanje. Kasnije je rekla da su ta rana sjećanja imala veliki utjecaj na njenu vizualnu svijest tokom njenog života.
Škola i univerzitet – 1946-55
Akt – Bridget Riley c.1951-52 – Konte i pastel na papiru 43×21,2
Crtanje i slikanje postali su centar života Bridget Riley od ranog detinjstva, a nakon školskih godina na Cheltenham Ladies College (1946-49) studirala je na Goldsmiths koledžu u Londonu (1949-52) i kasnije na Royal College of Art ( 1952-55).
Njene studije bile su usredsređene na životno crtanje i uglavnom je radila crno-belo. Slika sa desne strane je vrlo rana Bridget Riley, "Anude", koja je nacrtana u konte i pastelima oko 1951-1952, bilo dok je još u Goldsmiths-u ili na početku svog vremena na Kraljevskom koledžu.
Rajlijevo vrijeme na Kraljevskom koledžu bilo je zbunjujuće i teško i smatrala je da su predavanja i smjer bili beskorisni. Dolazila je do tačke kada je željela uspostaviti vlastiti stil i izraziti se na svoj način, ali nije mogla to učiniti u institucionalnom okviru.
Teške godine – sredina 1950-ih
Girl Reading – Bridget Riley c.1957-8 – Crni pastel na papiru 42×24
Nakon što je napustila Kraljevski koledž 1955. godine, Rajli se vratila u Linkolnšir da se brine o svom ocu koji je teško povređen u saobraćajnoj nesreći. Problemi koji su započeli u Rajlijevim poslednjim godinama na Kraljevskom koledžu bili su pojačani njenom trenutnom situacijom i doveli do potpunog i mentalnog sloma umetnice.
Nakon što je njen otac počeo da se oporavlja, vratila se u Cornwall na tri mjeseca u pokušaju da se oporavi. U tom periodu pokušala je da slika, ali sa vrlo malo uspeha.
Bridget Riley se vratila u London 1956. godine i ponovo počela da slika, ali je malo napredovala. U prvoj polovini godine bila je bolnica u bolnici Middlesex – kasnije se preselila u hostel – i zaposlila se u prodaji stakla u antikvarnici u Marylebone Laneu. Bilo je to mračno i teško vrijeme za Rajlija.
Početak oporavka – 1957-58
Tonska pejzažna studija – Bridget Riley 1959 – Crni pastel na tankom papiru 40×42
Godine 1956. Bridget Riley je vidjela izložbu u Londonu koja je imala značajan utjecaj i pomogla u oblikovanju njenog kreativnog razmišljanja i osjećaja za smjer – izložbu američkih slikara apstraktnog ekspresionista u galeriji Tate, prvu izložbu te vrste u zemlji.
Riley se preselila u nastavu i od 1957-1958 predavala je umjetnost djevojčicama od 8-18 godina u samostanu Svetog Srca, Harrow, upoznajući ih sa sekvencama oblika, linija i grupa boja, nadajući se da će osloboditi njihove istinski kreativne impulse i da obeshrabri slijepo kopiranje stvarnog svijeta.
Bridget je ponovo počela da slika u ovom periodu u više istraživačkom stilu – glavni uticaji su bili Matisse i Bonnard i ponovo je počela da posećuje izložbe i obnavlja kontakt sa svetom umetnosti.
Maurice de Sausmarez – 1958-60
Plavi pejzaž – Bridget Riley 1959-60 – Ulje na platnu 76×101,5
1958. Riley se zaposlio u reklamnoj agenciji J. Walter Thompson kao komercijalni ilustrator.
Te godine je videla izložbu pod nazivom 'The Developing Process' zasnovanu na idejama učitelja i pisca po imenu Harry Thubron koji je predavao u Lids School of Art. Thubron je pokušao pokazati kako se moderno slikarstvo razvijalo u Americi i drugim evropskim zemljama osim Velike Britanije. Govorio je o organskom obliku, bojama i progresijama oblika i prostornom istraživanju.
Riley je bila fascinirana i, nakon što se prijavila za mjesto profesora na Loughborough College of Art, uzela je otkaz od J. Waltera Thompsona i pohađala Thubronovu čuvenu ljetnu školu u Norfolku. Ovdje je upoznala Mauricea de Sausmareza, Thubronovog pomoćnika, koji je trebao postati odlučujući faktor u neposrednom širenju njenih kulturnih horizonata.
Bridget Riley u Italiji – 1960
Ružičasti pejzaž – Bridget Riley 1960 – ulje na platnu 101,5×101,5
U ljeto 1960. Bridget Riley je putovala, slikala i posjećivala galerije po Italiji sa de Sausmarezom i bila je očarana crno-bijelim romaničkim zgradama u Pizi i crkvama u Raveni. Ona se također osvrće na gledanje i divljenje djelima talijanskih futurističkih slikara Boccionija i Balle.
Njen učitelj, Maurice de Sausmarez († 1970.), ohrabrio ju je da proučava umjetnost Georgesa-Pierrea Seurata. "Pink Landscape" Bridget Riley (prikazano desno) završen 1960. godine jasno pokazuje kakav je utjecaj Seurat imao na nju.
Po povratku, radila je honorarno kao predavač na Hornsey College of Art (1960-61), pod vodstvom de Sausmareza. Sljedeće godine Riley se preselio u Croydon School of Art (1961-64). Takođe je nastavila da radi sa skraćenim radnim vremenom u J. Walter Thompsonu (poziciju koju je takođe napustila 1964. godine).
Uspon ka uspjehu – 1960-65
Poljubac – Bridget Riley 1961 Tempera na dasci 122×122
U Hornseyju, Riley je započela svoje prve Op Art slike, radeći samo crno-bijelo i koristeći jednostavne geometrijske oblike – kvadrate, linije i ovalne. Iako je istraživala mnoga područja percepcije, njen rad, s naglaskom na optičkim efektima, nikada nije trebao biti sam sebi cilj. Bilo je instinktivno, ne zasnovano na teoriji, već vođeno onim što je vidjela vlastitim očima.
Predajući u Croydonu, Bridget je stekla svoje prvo kritičko priznanje. U proljeće 1962. imala je svoju prvu samostalnu izložbu u Galeriji One u Londonu, što je bio odlučujući trenutak.
Godine 1963. osvojila je nagradu u otvorenom dijelu izložbe Johna Moorea u Liverpoolu i preuzela nagradu AICA Critic’s Prize u Londonu. Uslijedio je poziv za izlaganje na prestižnoj izložbi “Nova generacija” u galeriji Whitechapel, zajedno s Allenom Jonesom i Davidom Hockneyem.
Oko koje reagira – 1965
Kretanje u kvadratima – Bridget Riley 1961 – Tempera na dasci 122×122
Slike Bridget Riley došle su do međunarodne pažnje kada je izlagala zajedno sa i drugima u Muzeju moderne umjetnosti u New Yorku na izložbi pod nazivom “The Responsive Eye” 1965. Bila je to jedna od Rileynih slika koja je bila predstavljena na naslovnici izložbe. katalog.
"The Responsive Eye" bio je veliki hit u javnosti, ali se pokazao manje popularnim kod kritičara, koji su radove odbacili kao trompe l'oeil (doslovno "trikovi oka"). Kratki film – 'The Responsive Eye' - dokumentirajući večer otvaranja izložbe snimio je Brian de Palma.
Uprkos kritikama, Riley je održao još jednu izuzetno popularnu izložbu u to vrijeme u SAD-u, u galeriji Richard Feigen u New Yorku. Ulaznice su rasprodate na prvi dan da su puštene u prodaju – izuzetno dostignuće za umetnicu koja je još uvek bila u ranim tridesetim.
“Op Art” – 1965
Pauza – Bridget Riley 1964 – Emulzija na brodu 115,5×116
Otprilike u to vrijeme u javnu svijest ušao je termin "Op Art". Op Art je zaokupio maštu javnosti i postao dio zamahnutih šezdesetih. Modna, dizajnerska i reklamna industrija zaljubile su se u njegove grafičke, znakovne uzorke i dekorativnu vrijednost. Op Art je bio cool, a Bridget Riley je postala poznata ličnost broj jedan u Velikoj Britaniji.
Osnova Op Art pokreta bio je oblik geometrijske apstrakcije, koji je na neki način bio bezličan i nije očito povezan sa stvarnim svijetom. „Nisam mogao da se približim onome što sam želeo kroz gledanje, prepoznavanje i rekreaciju, pa sam problem stavio na glavu. Počeo sam da proučavam kvadrate, pravougaonike, trouglove i senzacije koje oni izazivaju... Nije tačno da moj rad zavisi od bilo kakvog književnog impulsa ili ima bilo kakvu ilustrativnu nameru. Oznake na platnu jedini su i bitni agensi u nizu odnosa koji čine strukturu slike.”(Bridget Riley)
Pojava boje – 1967
Katarakta 3 – Bridget Riley 1967 PVA na platnu 223,5×222
"Muzika boja, to je ono što želim"(Bridget Riley)
Ona je bila oprezna zbog Rileynog uvođenja boje u njen rad. Crno-bijele slike zavise od narušavanja stabilnih elemenata. Ne može se naći tako stabilna osnova za boju jer je percepcija boje relativna – svaka boja utiče i na nju utiču boje pored nje. Vremenom je počela da prihvata tu inherentnu nestabilnost i učinila je osnovom svog rada.
Od 1967. nadalje Rajli je sve više počeo da koristi boju. Takođe je počela da koristi stabilizovanije forme – često jednostavne vertikalne ravne ili talasaste linije. Samo pozicioniranje boje proizvelo je osjećaj pokreta koji je željela prenijeti. Grupacije boja utjecale su na prostore između njih da bi proizvele prolazne odsjaje drugih boja, a time i iluziju kretanja.
Boja na djelu – 1970-e
Zing 1 – Bridget Riley 1971 – Akril na platnu 101,6×88,9
Slike Bridget Riley iz kasnih 1960-ih i 70-ih su se uglavnom bavile vizualnim i emocionalnim odgovorom na boju. Tokom ovog perioda eksperimentisala je sa raznim paletama i oblicima. Zing 1 (prikazano desno) uveo je temu zaokretanja boja, koristeći uvrnute vertikalne pruge za stvaranje horizontalnih zona boje.
Nakon inovacije Zing 1, sredinom 1970-ih Bridget je sve češće koristila obline u svom radu. Ove "krivulje" slike su proširile njeno razumevanje odnosa boje i svetlosti. Rileyne slike sa oblinama su neka od njenih najmirnijih i najemotivnijih radova, nešto što se ogleda u njihovim često poetskim i muzičkim naslovima.
Do 1978. Riley se ograničavala na tri boje za svaku svoju sliku. Serijal Pjesma o Orfeju iz 1978. proširio je ovo na pet. Dalja ekspanzija je tek dolazila.
Egipatska veza – 1981
RA 2 – Bridget Riley 1981 – Sitotiska na papiru 108×94,5
Godine 1981. posjetila je Egipat i bila je očarana bojama koje je koristila drevna egipatska umjetnost. 'Boje su čistije i sjajnije od svih koje sam ranije koristio' napisala je.
U 'životvornom rasporedu boja' koji su Egipćani koristili više od 3000 godina Riley je pronašao grupu boja koje su savršeno funkcionirale kao shema boja. Zadržale su svoj individualni sjaj i još uvijek stvarale nove boje i svjetlosne efekte u prostorima između grupa boja. Uz ove boje osjećala je da je pronašla intenzitet boja i svjetlucanje svjetla koje je oduvijek tražila.
Prije ovog trenutka naređeno je korištenje boje u Rileyjevom radu i njeno napredovanje se moglo pratiti preko platna. „Egipatske“ slike označavaju početke slobodne organizacije boja, nešto što ona koristi do danas.
Bridget Riley – Rad van studija – 1982-83
Instalacija kraljevske bolnice u Liverpulu – Bridget Riley 1983
Godine 1982-3. direktor Baleta Rambert je naručio Bridget Riley da dizajnira scenografiju za novi balet poznat kao "Pokreti boja". Bila je to neobična narudžbina jer su scenografije prethodile kompoziciji muzike i koreografije i zapravo dale originalnu inspiraciju za rad. Balet je prvi put izveden na Edinburškom festivalu 1983. godine i uspješno je gostovao.
Još jedno odstupanje od njenog uobičajenog studijskog rada uključivalo je proizvodnju serije živopisnih murala za bolnicu Royal Liverpool 1983. (prikazano desno).
Riley je dizajnirao interijer koristeći plave, bijele, ružičaste i žute trake u boji, koje su imale za cilj da opuste pacijente. Čini se da je bila uspješna u onome što je namjeravala postići; unutrašnjost je bila veoma cijenjena i izazvala je značajan pad u nivou vandalizma i grafita koji se dešavaju u bolnici.
The Lozenge Paintings – Sredinom 1980-ih i 1990-ih
Odavde – Bridget Riley, 1994 – Ulje na platnu 156,2×227,3
Sredinom 1980-ih se rad Bridget Riley progresivno udaljava od a izgraditi davanja osjeta do perceptivnog odgovora, a umjesto toga ka umjetnosti čistog vizualnog osjeta, tretiranja oblika i boje kao 'konačnih identiteta', kao stvari po sebi. Jedinice boja bile su raspoređene prema principima relacije i kromatske interakcije, ali su se sve više povezivale sa implikacijom ritma, prostora i dubine.
Rajli je počeo da ugrađuje dijagonalne 'lozenge' elemente koji se dižu s leva na desno i koji presecaju vertikale, razbijajući ravan slike. Ravni boje naizmenično napreduju i povlače se, stvarajući kontraste u boji, tonu, gustini i smjeru.
O ovom periodu Riley je rekao: „Pokušavam da senzaciju uzmem kao liniju vodilja i izgradim, sa odnosima koje ona zahtijeva, plastičnu tkaninu koja nema drugog razloga postojanja osim da se prilagodi osjećaju koji traži.”
Kasni period – 2000. do danas
Dva bluza – Bridget Riley, 2003 – Ulje na platnu 54,5×53
Sada u svojim kasnim 70-im Bridget Riley i dalje nastavlja da radi. Izložbe njenih radova održavaju se širom sveta – Sidneju, Tokiju, Njujorku, Cirihu, Londonu da spomenemo samo neke od gradova u kojima je njen rad u poslednje vreme prikazan.
Godine 2007. održana je izložba petnaest slika nastalih između 2005. i 2006. u Galeriji Timothy Taylor u Londonu. Njene slike su se ponovo promenile; oblici 'lozenge' slika iz 1980-ih i 1990-ih širili su se po vertikalama, ali ovoga puta bile su to fluidne arabeske u nježnijim bojama - plava, zelena, lila i blijedonarandžasta.
Bridget Riley je dosljedna inovatorka u svom polju koja neprestano eksperimentiše s novim idejama koje obilježavaju nove odlaske. Iz tog razloga niko zaista ne može da zna šta će doneti budućnost u pogledu njene originalne i jedinstvene umetnosti, koja je zahtevna i od nje same i od onih koji je vide.
Bridget Riley u studiju – Kako ona radi
Bridget Riley miješa boje u svom londonskom studiju – Foto: Bill Warhurst
Glavne slike Bridget Riley su veoma velike i može potrajati šest do devet mjeseci da se razviju, gotovo da evoluiraju. Počinje izradom malih studija boja u gvašu. Riley rukom miješa sve boje jer su tačna nijansa i intenzitet od vitalnog značaja i moraju se održavati konstantnim.
Uspješne studije dovode do crtanog filma u punoj veličini papira i gvaša koji predočava završni rad. Zatim se uvećavaju, ravnaju, premazuju akrilom i prefarbaju u ulju. Sve se farba ručno – pri nanošenju boja ne koriste se ravnala, ljepljiva traka ili mehanička sredstva. Riley je radio sa asistentima od 1960-ih zbog velikog obima i potrebe za velikom preciznošću.
Bridget Riley CBE je povjerenik Nacionalne galerije u Londonu.
Bridget Riley o ritmu i ponavljanju
Optička umjetnost ili Op art (od engleske riječioptička umjetnost) je pravac u umjetničkom slikarstvu druge polovine 20. stoljeća, čije su posebnosti bile optičke iluzije uzrokovane iskrivljenom percepcijom oblika i figura smještenih u prostoru.
Pokret je logičan nastavak jednog od pravaca modernizma - tehničarizma. Osnivačom se smatra francuski umjetnik Victor Vasarely.
Sa naučne tačke gledišta, prvi eksperimenti sa optičkim iluzijama pojavili su se krajem 19. veka. Profesor Thompson je u naučnom časopisu objavio članak u kojem su, kao ilustracija, prikazane dvije kružne ravni koje stvaraju osjećaj kretanja. Kao umjetnički pokret, op art je široj javnosti postao poznat 1965. godine na izložbi u Muzeju moderne umjetnosti u New Yorku. Kasnije su se širom svijeta uspješno održavale kolektivne izložbe raznih predstavnika ovog umjetničkog pokreta: Zero grupe (Dizseldorf), T grupe (Milano) i mnogih drugih.
Optičke iluzije su zasnovane na osobenostima ljudske vizualne percepcije; ovo izobličenje je u početku prisutno u mehanizmu kontemplacije okolnog prostora od strane ljudskog oka, drugim riječima, slika je prisutna ne samo u stvarnosti, već iu mozgu pojedinca; . Kao rezultat toga, naučnici su ustanovili da se proces vizuelne percepcije odvija po brojnim pravilima koja su umjetnici uspješno koristili u stvaranju svojih djela.
Umjetnica Bridget Riley stvara efekat talasa na svojoj slici Katarakta 3. U drugom svom radu, Direct Curvature, ona gradi rotirajuću spiralu od crnih i bijelih linija.
Bridget Riley. "Katarakta-3". 1967
Op art na kraju postaje globalni pokret. Umjetnici iz različitih zemalja stvaraju optičke slike i održavaju kolektivne izložbe. U Italiji je to Marie Colombo, u Španiji Duarte Ibarolla, u SSSR-u Vjačeslav Kolejčuk.
Kasnije su karakteristike Op Arta našle široku primjenu u industrijskom dizajnu, plakatima i dekorativnoj umjetnosti.
Poznati radovi u op art stilu
Josef Albers je jedan od osnivača op arta, njemački i američki umjetnik, dizajner, pjesnik i učitelj. U ovoj optičkoj iluziji, Albers eksperimentiše sa percepcijom prostora, igrajući se rasporedom linija, demonstrira kako se dubina prostora može percipirati dvosmisleno. Crne pravougaone figure seku se jedna s drugom pod različitim uglovima, dezorijentišući percepciju gledaoca, nije jasno šta je ispred, a šta iza.
Cik-cak crne i bijele linije stvaraju osjećaj kružne rotacije. Mozak tumači sliku, naizmjenično mijenjajući obrazac, a čini se da se krug kreće. Sama Rajli je rekla: „Moj rad je razvijen kroz empirijsku analizu i sintezu, i oduvek sam verovala da je percepcija medij kroz koji se filtriraju iskustva iz stvarnog života.”
Victor Vasarely. Duo-2 1967. Kontrastne tople i hladne nijanse stvaraju dvosmislenu iluziju trodimenzionalne strukture. Jesu li konkavni ili konveksni? Iluzija je toliko realistična da zaboravljamo da je to samo slika, a ne prava trodimenzionalna struktura.
Soto, koji je iz Venecuele došao u Francusku 1950. godine, bio je jedan od rijetkih južnoameričkih umjetnika koji su dali važan doprinos razvoju Op Arta i Kinetičke umjetnosti. Djelo „Pariska sfera” svojom formom kao da prkosi gravitaciji i podsjeća na izvor nastanka svijeta i svemira. Rad je kreiran od tankih plavih gumenih niti. Soto je ovu vrstu rada počeo raditi sredinom 1960-ih, i iako je ovo djelo nastalo mnogo godina nakon što je pokret OP umjetnosti počeo opadati, nije izgubio svoju privlačnost i umjetničku vrijednost. I sam umjetnik izaziva poštovanje za svoju kreativnu postojanost i posvećenost op umjetnosti.
Muzej moderne umjetnosti u Parizu domaćin je izložbe „Kraljica optičke iluzije» Bridget Riley, čiji je rad postao simbol "Swinging šezdesetih"
Posljednjih godina šezdesete su u modi. Treba se samo prisjetiti kako je prije nekoliko godina svaka modna žena smatrala svojom dužnošću da sebi kupuje stvari u stilu “swinging Londona”. Sve modne radnje pune su mini haljina sa strogim geometrijskim uzorcima, bezobličnih kaputa sa ogromnim dugmadima i velikim nakitom. Prošle godine je cijela Amerika proslavila 40. godišnjicu čuvenog "ljeta ljubavi" - objavljene su mnoge knjige o hipi estetici i psihodeličkoj umjetnosti. Francuska ove godine slavi svoju „godišnjicu”: prije četrdeset godina dogodio se „maj '68”. Naravno, u čast ovih i mnogih drugih događaja, muzeji i galerije organiziraju vrlo zanimljive izložbe. Negdje izlažu fotografije sretnih kalifornijskih hipija i francuskih studenata pobunjenika, negdje plakate psihodeličnih grupa, a negdje rad predstavnika „kontrakulture“ koji se danas smatraju velikim savremenim umjetnicima. Veliki muzeji odaju počast umjetničkim pokretima koji su bili na vrhuncu mode 1960-ih, ali su u 21. vijek ušli prilično zaboravljeni. Ovog ljeta u Muzeju moderne umjetnosti u Parizu otvorena je izložba posvećena op artu, odnosno njegovoj najznačajnijoj predstavnici - Engleskinji Bridget Riley.
Prvo morate saznati šta je op art i sa čime se jede. Op art je skraćenica od engleske Optical Art, što znači “optička umjetnost” ili “umjetnost optičkih iluzija”. Slike rađene u ovom žanru su uvijek apstraktne, najčešće stroga geometrijska apstrakcija. Op art je preuzeo mnogo od slikarstva u boji, vrste apstraktnog ekspresionizma. Kada čujete riječ „apstraktni ekspresionizam“, svi zamišljaju kako Jackson Pollock bijesno prska boju po platnu, ali nemojte zaboraviti da su umjetnici poput Marka Rothka, Barnetta Newmana i drugih također pripadali ovom pokretu, poznatom po svom mraku , svečane slike u polju u boji. Ali njihove slike su statične, što se ne može reći za slike op art umjetnika. Geometrijske forme na platnima predstavnika ovog pokreta, kao što su Bridget Riley, Victor Vasarely i Jesus Rafael Soto, ne „miruju“: kreću se, prelivaju jedna u drugu, sijaju, svjetlucaju, bujaju i općenito... oni žive. Savremeni gledalac, naravno, neće biti iznenađen takvim spektaklom - njegovo oko je već naviklo na plutajuće forme u kompjuterskim screensaverima. Ali da bi koristili ulje na platnu... Robert i Sonia Delaunay, talijanski futuristi i mnogi drugi pokušavali su svojim slikama prenijeti pokret, ali samo op art umjetnici. Vasarely, Riley i drugi razvijaju ideje umjetnika kao što su Laszlo Moholy-Nagy i Josef Albers, koji su, dok su bili nastavnici na Bauhaus institutu, podučavali studente kako da stvore optičke iluzije. Albers je čak napisao knjigu "Interakcija boja", u kojoj je istraživao percepciju boje i prostora ljudskim okom. Zahvaljujući ovom djelu, kao i poznatoj seriji slika "Posveta trgu", njemački umjetnik se smatra ocem op umjetnosti.
Jedna od najvažnijih karakteristika op arta je interakcija slike sa posmatračem. Prema Bridget Riley, umjetničko djelo se „dešava“ samo kada je slika ispred očiju. Sama po sebi, njena platna (i kreacije drugih op art umjetnika) su jednostavno slike koje prikazuju neke apstraktne forme. Počinju da se pomeraju i svetlucaju tek kada ih neko pogleda. To odgovara jednom od glavnih načela moderne umjetnosti, koje je iznio Marcel Duchamp: pisoar je pisoar, ali kada je izložen u muzeju, gdje ga gledaju i pričaju o njemu, to nije pisoar, već umjetničko djelo.
Optičke iluzije Rajli i njenih kolega došle su do izražaja šezdesetih godina prošlog veka. Radovi op arta su veoma „psihedelični“: stojeći pred njima, teško je da se oslobodite pomisli da vas je posetila mala halucinacija. Apstrakcije op art umjetnika pojavile su se na ultra-modnim mini haljinama Mary Quant i počele da simboliziraju radosno ludilo "swinging Londona". Publika je jako voljela op art sve izložbe učesnika ovog pokreta su uvijek bile prepune. Ideje ovih umjetnika počele su se aktivno iskorištavati u komercijalne svrhe: Bridget Riley je čak morala tužiti jednu kompaniju koja je namjeravala koristiti njene omiljene motive kao dizajn na tkanini. Op art motivi su se čak pojavili na posteru za Olimpijske igre u Meksiko Sitiju 1968.! Uprkos svemu tome, kritičari su bili skeptični prema pokretu. Kao što Ulf Erdmann Ziegler piše u novinama Die Tageszeitung, u to vrijeme smatralo se da je op art patuljak od tako moćnih pokreta kao što su minimalizam, konceptualna umjetnost, land art i pop art. Slike i predmeti učesnika pokreta dugo su skupljali prašinu u muzejskim skladištima. Ali sada se masovno iznose i izlažu: otvaraju se mnoge izložbe posvećene op artu. Na primjer, galerija Albright-Knox u New Yorku otvorila je izložbu koja istražuje utjecaj op arta na savremenu umjetnost.
Retrospektiva Bridget Riley u Parizu otvorena je 12. juna. Ovo je prva umjetnikova velika izložba u Francuskoj. Bridget Riley je rođena 1931. Počela je sa slikanjem u impresionističkom stilu, a potom ju je privukao divizionizam. Rad Georgesa Seurata imao je ogroman utjecaj na Riley, usađujući joj "naučni" pristup umjetnosti. Umjetničine prve slike bile su figurativne, ali nakon što je posjetila izložbu radova Jacksona Pollocka, odlučila je da se okuša u apstraktnom slikarstvu. Mnogi apstraktni umjetnici, postavši poznati i cijenjeni, odriču se svojih ranih kreacija, smatrajući ih beznačajnim studentskim studijama. Ali ne i Riley: na retrospektivi u Parizu možete vidjeti mnoga djela koja je stvorila na samom početku svoje karijere. „Ne postoji Bezgrešno začeće“, kaže ona ironično, misleći na neraskidivu vezu između njenih ranih pejzaža i njenih kasnijih Op Art slika. Rileyeva glavna inspiracija je priroda, posebno pejzaži Cornwalla, gdje je odrasla. Prema njenim riječima, na njene slike treba gledati onako kako gledate na šume, planine, more...
Najpoznatiji Rileyni radovi su crno-bijeli, ali od 1980-ih ona aktivno istražuje mogućnosti boja i kontrasta boja. Šezdesetih su govorili da zahvaljujući Rileyevim slikama gledalac ima priliku da doživi senzacije slične morskoj bolesti ili skoku padobranom...
Bridget Riley mnogo govori o tome kako korijeni njenog rada leže u stoljetnoj istorijskoj tradiciji. Pisala je o umjetnicima u rasponu od Nicolasa Poussina do Brucea Naumana, a kurirala je izložbu u londonskoj Nacionalnoj galeriji sa slikama Tiziana, Paola Veronesea i El Greca, Petera Paula Rubensa, Poussina i Cezannea. Za retrospektivu u Parizu umjetnica je od Musée d'Orsayja zatražila neke slike Sezana, Seura i Kloda Moneta, ali ju je čuveni pariški muzej odbio.
Kakvo je tržište za djela Bridget Riley? Trenutno je, ni više ni manje, autor najskupljeg dela među živim britanskim umetnicima. Nedavno je na aukciji Sotheby'sa njena slika "Pesma 2" prošla za 4,5 miliona dolara. Naravno, Riley je daleko od ludog aukcijskog uspjeha njenog sunarodnjaka Luciana Freuda, ali to se objašnjava opšta situacija na tržištu umjetnina, gdje
Istorijski se dogodilo da su gotovo svi poznati umjetnici muškarci. Danas ćemo uništiti ovaj mit. Od zadivljujućih optičkih iluzija Bridget Riley do hrabrih i odvažnih eksperimenata Trejsi Emin, navodimo 8 velikih ženskih imena koja su ostavila trag u savremenoj umetnosti.
Marlene Dumas
Marlene Dumas je holandska umjetnica iz Cape Towna. Uglavnom slika portrete, koristeći modele iz novina, časopisa i polaroid fotografije. Ona majstorski slika „na mokrom“, stvarajući uznemirujuće, mračne i često provokativne radove. Dumas je uspio postati jedan od najskupljih umjetnika našeg vremena. Njene slike i crteži obično izgledaju provokativno: jeziva, iskrivljena lica i tijela, uznemirujuće kombinacije boja, narkotično povlačenje oblika. Dumasove teme su politika, rasa i seksualnost, krivica i nevinost, nasilje i nježnost.
Tracey Emin
Tracey Emin je engleska umjetnica, rediteljka i glumica, jedna od najpoznatijih predstavnica grupe Young British Artists. Osim po slikama, umjetnica je poznata i po instalaciji "Moj krevet" ( Moj krevet), izložen na izložbi Turnerove nagrade 1999. Instalacija se sastojala od nepospremljenog, prljavog kreveta sa ličnim stvarima razbacanim oko njega, uključujući krvavu posteljinu i korištene kondome.
Jenny Saville
Jenny Saville je savremena britanska umjetnica, poznata po svojim monumentalnim slikama, čiji su glavni likovi bile ženske slike. Godine 1994. provela je više od 48 sati posmatrajući plastične hirurge na radu u njujorškim klinikama, svjedočivši rođenju nove ljepotice, što je kasnije uticalo na njen rad.
Yayoi Kusama
Slike, kolaži, meke skulpture, performansi i instalacije ovog japanskog umjetnika dijele opsesiju ponavljanjem, uzorkom, akumulacijom. Sama Yayoi sebe opisuje kao "opsesivnog umjetnika" i pati od mentalne bolesti. 12. novembra 2008. na Christie's-u, njen rad je prodat za 5.100.000 dolara, što je rekord za živu umjetnicu.
Julie Mehretu
Julie Mehretu poznata je po svojim bogatim slikama velikog formata. Na primjer, Retopistics: A Renegade Excavation (2001) ima dimenzije 2,59 x 5,49 metara. Njen rad izaziva niz analogija - od dinamike talijanskih futurista i geometrijske apstrakcije do apstraktnih ekspresionista. Polazna tačka za Meretu je arhitektura i moderan grad sa ubrzanim tempom života i gusto naseljenim ulicama.
Bridget Riley
Bridget Riley je savremena engleska umjetnica, jedna od najvećih predstavnica op arta. Britanska umjetnica Bridget Riley uletjela je u "zamahnule" šezdesete s kompozicijama od kojih su gledaocima zasljepljivale oči, vrtjelo im se u glavi, pa čak i pomalo mučilo. Gledanje u rad Bridget Riley radosna je aktivnost, ali zahtijeva koncentraciju i pažnju. Još je teže odvojiti pogled od njih. Možete slagati principe po kojima su njene slike izgrađene koliko god želite, ali to neće objasniti njihovu mističnu privlačnost.
Paula Rego
Paula Rego je portugalska umjetnica, ilustratorka i grafika koja živi i radi u Velikoj Britaniji. Svoju kreativnost stalno ažurira novim stilovima i tehnikama. Od kolaža 1950-ih i 60-ih, životinjskih serija 80-ih do velikih kompozicija, pastela i serija grafika, gravura i litografija danas, izgrađenih na njenoj mašti i uspomenama iz djetinjstva. Njen glavni zadatak je vizuelno ispričati svoju neobičnu i fascinantnu priču.