اپ آرت در نقاشی و هنر. نقاشی های توهم نوری

هنرمندان از این اکتشافات به روش خود بهره بردند. برای مثال به فیلم «جریان» (1964) ساخته بریجت رایلی بپردازیم. تمام سطح آن با خطوط نازک مواج پوشیده شده است. به سمت وسط، خم ها تندتر می شوند و در اینجا ظاهر یک جریان ناپایدار که از هواپیما جدا می شود ظاهر می شود.

در کار او "Cataract-III"، 1967، اثر حرکت موج ایجاد شده است. در ترکیب سیاه و سفید دیگری از رایلی - "انحنای مستقیم" (1963) - دایره هایی که در مرکز جابجا شده و با خطوط شکسته قطع شده اند، جلوه یک مارپیچ چرخش سه بعدی را ایجاد می کنند. در «قطعه شماره 6/9» (1965) اثر همان هنرمند، دیسک‌های سیاه پراکنده در یک هواپیما باعث پرشی از تصاویر متوالی می‌شوند که فوراً ناپدید می‌شوند و دوباره ظاهر می‌شوند.

هنرمندان اپ آرت با تکیه بر ویژگی های ادراک فیگورهای مسطح و فضایی، از توهمات بصری مختلفی استفاده کردند. درک یک نقاشی مبتنی بر یک توهم نوری است: تصویر نه تنها بر روی بوم، بلکه در واقعیت هم در چشم و هم در سر بیننده وجود دارد. نقاشی نوری بر اساس توهمات بصری است که هنگام درک تنظیمات خاصی در یک هواپیما ایجاد می شود.

به عنوان مثال:

• 1. هنگام مشاهده دایره های متحدالمرکز متناوب سیاه و سفید، پرتوهایی ظاهر می شوند که آنها را قطع می کنند و مانند یک ملخ می چرخند.
• 2. رسم یک مکعب که تمام لبه های آن نشان داده شده است، برای چشم ناپایدار است و لبه های آن دائماً مکان خود را تغییر می دهند، اکنون به جلو حرکت می کنند، اکنون به اعماق عقب می نشینند.
• 3. هنگام عبور از یک خط مستقیم با ضربات، ممکن است احساس کنید که یک خط شکسته است
• 4. همپوشانی دو ساختار هندسی (مثلاً حلقه ای) اثر امواج را می دهد.
• 5. یک فرم روشن و با وضوح مشخص، یک تصویر به اصطلاح متوالی را تحریک می کند، یعنی یک فرم توهمی از همان پیکربندی و رنگ متضاد.

توهمات نوری به آشکار شدن الگوهای خاصی از ادراک بصری کمک می کنند، به همین دلیل است که روانشناسان به آنها توجه زیادی کرده اند. آزمایش های بصری که آنها ساخته بودند ماهیت آزمایشی داشتند. هنگام درک اشیاء واقعی، به ندرت توهم ایجاد می شود. بنابراین، برای آشکار شدن مکانیسم های پنهان ادراک انسان، لازم بود که چشم را در شرایط غیرعادی قرار داد و آن را وادار به حل مسائل غیر معمول کرد. نمونه‌های گرافیکی تجربی ایجاد شده، به عنوان مثال، توسط مکتب روان‌شناسی گشتالت، منجر به تدوین قواعدی شد که بر اساس آن فرآیند ادراک بصری پیش می‌رود.

وظیفه اپ آرت فریب دادن چشم، تحریک آن به یک واکنش کاذب و برانگیختن تصویری «ناموجود» است. یک پیکربندی متناقض بصری، تضاد حل‌ناپذیری بین شکل واقعی و شکل قابل مشاهده ایجاد می‌کند.

اپ آرت عمداً با هنجارهای ادراک انسانی مخالفت می کند. به عنوان مثال، تحقیقات روانشناسان نشان داده است که چشم همیشه در تلاش است تا نقاط پراکنده پر هرج و مرج را در یک سیستم ساده (گشتالت) سازماندهی کند.

در نقاشی نوری، برعکس، عناصر ساده از همان نوع به گونه ای چیده شده اند که چشم را منحرف کرده و از تشکیل یک ساختار یکپارچه جلوگیری می کند.

سیستم عصبی بیننده در آن نمایشگاه هایی که در آن سیستم های متحرک، نورانی، بازتابنده نور و تابش خیره کننده به نمایش گذاشته می شد، تحت ضربه شدیدی قرار گرفت. بازدیدکنندگان آنها با سرگیجه و غش به "توهم هنری" واکنش نشان دادند.

واکنش اجباری چشم به یک گشتالت غیرطبیعی، مانند واکنش انگشت به سوختگی، بازتابی است. در اینجا تفسیر آگاهانه منتفی است. این توهم به طور خودکار در نتیجه اختلال در عملکرد دستگاه بینایی رخ می دهد.

چنین توهماتی واقعاً ماهیت جهانی دارند و به آگاهی، فرهنگ، باورها و سلایق فردی بستگی ندارند. از این نظر، خلاقیت های اوپ آرت در دسترس عموم هستند. علاوه بر این، بسیاری از آثار این سمت به دلیل شکل ابتدایی و کم هزینه بودن مواد (کاغذ، انواع پلاستیک)، به راحتی در صنعت تکثیر می شوند.

بر این اساس، هنرمندان به دموکراسی هنر خود افتخار می کردند.

در این اپ آرت با هنر توده ای ادغام می شود. همگرایی با اشکال عینک ها و جاذبه های انبوه به ویژه در ساختارهای فضایی اپ آرت - چرخان، درخشان، تغییر مداوم سیستم های ظاهری آنها، هواپیماها و حجم های متحرک و سوسوزن مشهود است.

یافته‌های این حوزه توسط ژاکوب آگام، عیسی-رافائل سوتو، کارلوس کروز-دیز، جولیو لوپارک، جوئل استین، جفری استیل و دیگران متعاقباً با موفقیت در طراحی دیسکوها، نمایشگاه‌های تجاری، نمایش‌های نور و صدا و سایر رویدادهای عمومی مورد استفاده قرار گرفت. . اجسام در واقع می توانند با یا بدون نیروی مکانیکی حرکت کنند.

موبایل هایی که بدون نیروی مکانیکی حرکت می کنند توسط A. Rodchenko اختراع شد و چند سال بعد توسط A. Calder آمریکایی بهبود یافت. مجسمه های او ترکیبات انتزاعی هستند که به دلیل ارتعاشات هوا حرکت می کنند.

I. De Soto به جلوه های نوری علاقه مند بود. در آثار او چنین جلوه هایی با قرار دادن یک لایه بر روی لایه دیگر به دست می آید. به عنوان مثال: دو نقاشی روی شیشه آلی با فاصله بین آنها. به نظر می رسد آنها در فضای جدیدی ادغام می شوند. بعدها، سوتو شروع به آزمایش با خطوطی که بین صفحات نمایش گذاشته شده بود، کرد.

وازارلی هم به دلیل گستره خلاقیت و هم به دلیل کامل بودن منطقی روشش برجسته ترین نماینده اپ آرت بود. او به بررسی تاثیر این هنر و کاربرد آن در معماری و طراحی پرداخت که منجر به شکوفایی اپ آرت در تبلیغات و طراحی شد تا جایی که حتی خطر تبدیل آن به هنر کاربردی وجود داشت.

برای دستیابی به جلوه های نوری خارجی، هنرمندان اپ از موادی استفاده می کنند که مربوط به نقاشی (فلز، شیشه، پلاستیک) نیستند اما دارای سطح بازتابنده هستند. همین هدف به هنرمندان این ایده را داد که از قابلیت های بیان پارچه و مواد شفاف استفاده کنند - تکنیک مورد علاقه تبلیغات و چاپ که شوکه می کند و به نتایج فوری می رسد. نسل هنرمندانی که بین سال‌های 1925 و 1930 متولد شده‌اند، که آثارشان عمدتاً با دهه 1960 مرتبط است، با همین روحیه کار خواهند کرد - آنها اکتشافات قبلی را نظام‌مند می‌کنند و حوزه‌های کاربرد اپ آرت را در زندگی روزمره چند برابر می‌کنند. با شروع با جلوه های نوری در صفحه تصویر، آنها تلاش خواهند کرد تا راه حل های ترکیبی خود را (Debourg Garcia-Rossi، Sobrino Le Parc، Demarco Morelle) نظام مند کنند و به جلوه های رنگین کمانی دست یابند (Morrelle، Soto، Stein). برخی از آنها جستجوی خود را به سمت جنبش گرایی معطوف می کنند (آگام کروز، دیاز سوتو، ایوارال واردانگا، مارتا بوتو).

اپ آرت به تدریج در حال تبدیل شدن به یک شخصیت بین المللی است کشورهای مختلفو گروه های کاملی از هنرمندان تشکیل می شوند: در ایتالیا (Alviani De Vecchi، Colombo Marie)، اسپانیا (Duarte Ibarrola)، آلمان (Hacker Mac Gravenitz)، سوئیس (Thalman Gerstner)، اتحاد جماهیر شوروی (Vyacheslav Koleichuk). توجه داشته باشید که در ایالات متحده، بحران انتزاع باعث ایجاد لبه سخت و مینیمالیسم می شود که ناشی از همان نیازهای زیبایی شناختی است. این جنبش ها متعلق به سنت باهاوس و موندریان بود. کار جوزف آلبرز که در باهاوس تحصیل کرد و به ایالات متحده رفت، اساس این پدیده خواهد شد. آثار E. Kelly و K. Noland نزدیک به اپ آرت هستند که در آن یک ویژگی ضروری هنر آمریکایی - غول‌گرایی را معرفی می‌کنند. مجسمه تونی اسمیت، دان جاد و رابرت موریس نیز در همین راستا توسعه یافت. اما به زودی همه این هنرمندان نیاز به یک "سوراخ" را در فضای خارجی احساس کردند: کروز دیاز با جلوه های رنگی آزمایش می کند و به "اشباع یکنواخت" آنها دست می یابد و آگام برای رسیدن به تسکین آنها تلاش می کند. بنابراین، خواسته یا ناخواسته، یا شاید به لطف اکتشافات خود، اپ آرت به طور نامحسوسی با جنبش گرایی ترکیب شده است.

در ایالات متحده آمریکا، بحران انتزاع منجر به لبه سخت و مینیمالیسم می شود که ناشی از همان نیازهای زیبایی شناختی است. این جنبش ها متعلق به سنت باهاوس و موندریان بود. کار جوزف آلبرز که در باهاوس تحصیل کرد و به ایالات متحده رفت، اساس این پدیده خواهد بود. آثار E. Kelly و K. Noland نزدیک به اپ آرت هستند، که در آن یک ویژگی ضروری هنر آمریکایی - غول‌گرایی را معرفی می‌کنند.

مجسمه تونی اسمیت، دان جاد و رابرت موریس نیز در همین راستا توسعه یافت. اما به زودی همه این هنرمندان نیاز به یک "سوراخ" را در فضای خارجی احساس کردند: کروز دیاز با جلوه های رنگی آزمایش می کند و به "اشباع یکنواخت" آنها دست می یابد، سوتو تلاش می کند تا آنها را عمیق تر کند، و آگام - برای رسیدن به تسکین آنها.

بنابراین، خواسته یا ناخواسته، یا شاید به لطف اکتشافات خود، اپ آرت به طور نامحسوسی با جنبش گرایی ترکیب شده است.

امکانات اپ آرت تا حدودی در گرافیک صنعتی، پوستر و هنر طراحی کاربرد پیدا کرده است.

‘هیچ نقاشی، چه مرده و چه زنده، به اندازه بریجت رایلی ما را متوجه چشمان خود نکرده است.’ رابرت ملویل، 1971

برای دیدن نمونه هایی از هنر بریجت رایلی به سایت مراجعه کنید.

زندگی اولیه - 1931 - 46

بریجت رایلی در اواسط دهه 1960 – عکس: جان گلدبلات

بریجت رایلیدر نوروود، جنوب لندن در سال 1931 به دنیا آمد. پدرش، جان فیشر رایلی، اصالتاً اهل یورکشایر، و پدرش قبل از او چاپگر بود. در سال 1938، پدرش چاپخانه را به لینکلن شایر نقل مکان کرد و خانواده با آن نقل مکان کردند.

خانواده قرار بود مدت زیادی را در لینکلن شایر سپری نکنند. در سال 1939، زمانی که جنگ شروع شد، پدرش به خدمات مسلحانه فراخوانده شد. بریجت به همراه خواهر، مادر و عمه اش به دور از خطرات بلایتس برای زندگی در کورنوال رفتند.

در کورنوال، رایلی در کودکی آزادی زیادی داشت و زمان زیادی را صرف بازی در صخره ها و سواحل نزدیک پادستو محل زندگی خود می کرد. او ساعت‌ها به تماشای تغییر نور، رنگ و شکل‌های ابری پرداخت و آنچه را که دید در حافظه ذخیره کرد. او بعداً گفت که این خاطرات اولیه تأثیر زیادی بر آگاهی بصری او در طول زندگی اش داشته است.

مدرسه و دانشگاه - 1946-55

برهنه – بریجت رایلی c.1951-52 – کانته و پاستل روی کاغذ 43×21.2

طراحی و نقاشی از دوران کودکی به مرکز زندگی بریجت رایلی تبدیل شد و پس از سال‌های تحصیل در کالج بانوان چلتنهام (1946-1949) در کالج گلداسمیتز لندن (52-1949) و سپس در کالج سلطنتی هنر تحصیل کرد. 1952-55).

مطالعات او متمرکز بر طراحی زندگی گرد بود و بیشتر سیاه و سفید کار می کرد. تصویر سمت راست یک بریجت رایلی بسیار اولیه به نام «برهنه» است که در حدود سال‌های 1951 تا 1952 یا در زمانی که هنوز در گلداسمیتز بود و یا در ابتدای کارش در کالج سلطنتی به رنگ‌های رنگی و پاستلی کشیده شد.

دوران رایلی در کالج سلطنتی گیج کننده و دشوار بود و آموزش و هدایت را بی ارزش می دانست. او در حال رسیدن به نقطه ای بود که می خواست سبک خود را ایجاد کند و خود را به روش خود بیان کند، اما متوجه شد که قادر به انجام این کار در یک چارچوب نهادی نیست.

سال های دشوار - اواسط دهه 1950

دختر خواندن – بریجت رایلی c.1957-1957 – پاستل سیاه روی کاغذ 42×24

پس از ترک کالج سلطنتی در سال 1955، رایلی به لینکلن شایر بازگشت تا از پدرش که در یک تصادف رانندگی به شدت مجروح شده بود مراقبت کند. مشکلاتی که در سالهای پایانی رایلی در کالج سلطنتی شروع شده بود، با وضعیت فعلی او تشدید شد و منجر به فروپاشی کامل و روانی این هنرمند شد.

پس از اینکه پدرش شروع به بهبودی کرد، او به مدت سه ماه در تلاش برای بهبودی به کورنوال بازگشت. او در این دوره سعی کرد نقاشی کند اما با موفقیت بسیار کمی.

بریجت رایلی در سال 1956 به لندن بازگشت و دوباره شروع به نقاشی کرد اما پیشرفت چندانی نداشت. در نیمه اول سال، او در بیمارستان میدلسکس بستری بود - او بعداً به یک خوابگاه نقل مکان کرد - و در یک مغازه عتیقه فروشی در Marylebone Lane به کار شیشه فروشی مشغول شد. آن زمان برای رایلی بد و سخت بود.

آغاز بهبودی - 1957-58

مطالعه منظره تونال – بریجت رایلی 1959 – پاستل سیاه روی کاغذ نازک 40×42

در سال 1956 بریجت رایلی نمایشگاهی را در لندن دید که تأثیر قابل توجهی داشت و به شکل گیری تفکر خلاق و حس جهت گیری او کمک کرد - نمایشگاهی از نقاشان اکسپرسیونیست انتزاعی آمریکایی در گالری تیت، اولین نمایشگاه در نوع خود در کشور.

رایلی وارد تدریس شد و از سال 1957 تا 1958 به دختران 8 تا 18 ساله در صومعه قلب مقدس، هارو، هنر آموزش داد و آنها را با توالی شکل، خط و گروه رنگ آشنا کرد، به این امید که انگیزه های خلاقانه و خلاقانه آنها را آزاد کند. برای جلوگیری از کپی کورکورانه از دنیای واقعی

بریجت دوباره در این دوره شروع به نقاشی به سبک اکتشافی‌تر کرد - تأثیرات اصلی ماتیس و بونارد بودند و او دوباره شروع به بازدید از نمایشگاه‌ها و تجدید تماس با دنیای هنر کرد.

موریس دو ساسمارز – 1958-60

منظره آبی – بریجت رایلی 1959-60 – رنگ روغن روی بوم 76×101.5

در سال 1958 رایلی در آژانس تبلیغاتی J. Walter Thompson به عنوان یک تصویرگر تجاری مشغول به کار شد.

در آن سال او نمایشگاهی به نام «فرایند توسعه» را دید که بر اساس ایده های معلم و نویسنده ای به نام هری تابرون که در مدرسه هنر لیدز تدریس می کرد. توبرون سعی کرد نشان دهد که نقاشی مدرن چگونه در آمریکا و سایر کشورهای اروپایی به جز بریتانیا در حال تکامل است. او از فرم ارگانیک، پیشرفت رنگ و فرم و بررسی فضایی صحبت کرد.

رایلی مجذوب شد و پس از درخواست برای پست تدریس در کالج هنر Loughborough، از جی. والتر تامپسون مرخصی گرفت و در مدرسه تابستانی معروف Thubron در نورفولک شرکت کرد. در اینجا او با موریس دو ساسمارز، دستیار توبرون، که قرار بود به عامل تعیین کننده در گسترش فوری افق های فرهنگی او تبدیل شود، ملاقات کرد.

بریجت رایلی در ایتالیا – 1960

منظره صورتی – بریجت رایلی 1960 – رنگ روغن روی بوم 101.5×101.5

در تابستان سال 1960 بریجت رایلی به همراه دو ساسمارز به سفر، نقاشی و بازدید از گالری های ایتالیا رفت و توسط ساختمان های رومی سیاه و سفید پیزا و کلیساهای راونا مسحور شد. او همچنین به دیدن و تحسین آثار نقاشان آینده نگر ایتالیایی بوچیونی و بالا اشاره می کند.

او توسط معلمش موریس دو ساسمارز (متوفی 1970) تشویق شد تا هنر ژرژ پیر سورات را مطالعه کند. «منظره صورتی» اثر بریجت رایلی (نشان داده شده در سمت راست) که در سال 1960 تکمیل شد، به وضوح تأثیر سورات را بر او نشان می دهد.

پس از بازگشت، او یک پست تدریس پاره وقت در کالج هنر هورنزی (1960-1961) به سرپرستی دو ساسمارز گرفت. سال بعد رایلی به مدرسه هنر کرویدون نقل مکان کرد (1961-1964). او همچنین به کار پاره وقت در جی. والتر تامپسون ادامه داد (موقعیتی که او نیز در سال 1964 ترک کرد).

ظهور به سوی موفقیت - 1960-65

بوسه – بریجت رایلی 1961 تمپرا روی برد 122×122

در Hornsey، رایلی اولین نقاشی‌های Op Art خود را آغاز کرد که فقط سیاه و سفید کار می‌کرد و از اشکال هندسی ساده - مربع، خطوط و بیضی استفاده می‌کرد. اگرچه او بسیاری از حوزه‌های ادراک را بررسی کرد، اما کار او با تأکید بر جلوه‌های نوری هرگز به خودی خود هدف نبود. این غریزی بود، نه بر اساس تئوری، بلکه توسط آنچه او با چشمان خود دید هدایت می شد.

بریجت با تدریس در کرودون، اولین شناخت انتقادی خود را به دست آورد. در بهار 1962 او اولین نمایش انفرادی خود را در گالری یک لندن برگزار کرد که لحظه ای تعیین کننده بود.

در سال 1963 در بخش باز نمایشگاه جان مور لیورپول برنده جایزه شد و جایزه منتقد AICA را در لندن گرفت. به دنبال آن دعوتی برای نمایش در نمایشگاه معتبر "نسل جدید" در گالری وایت چاپل در کنار آلن جونز و دیوید هاکنی انجام شد.

چشم پاسخگو - 1965

حرکت در مربع - بریجت رایلی 1961 - تمپرا روی تخته 122×122

نقاشی‌های بریجت رایلی زمانی مورد توجه بین‌المللی قرار گرفت که او به همراه و دیگران در موزه هنر مدرن نیویورک در نمایشگاهی به نام «چشم پاسخگو» در سال 1965 به نمایش گذاشت. این یکی از نقاشی‌های رایلی بود که روی جلد نمایشگاه قرار گرفت. کاتالوگ

«چشم پاسخگو» با استقبال مردم مواجه شد، اما نشان داد که در میان منتقدان، که آثار را به عنوان trompe l'oeil (به معنای واقعی کلمه «ترفندهای چشم») رد کردند، محبوبیت کمتری داشت. یک فیلم کوتاه به نام «چشم پاسخگو» که مستند شب افتتاحیه نمایشگاه است توسط برایان دی پالما ساخته شده است.

با وجود منتقدان، رایلی در این زمان در ایالات متحده یک نمایشگاه بسیار محبوب دیگر در گالری ریچارد فیگن در نیویورک برگزار کرد. بلیط ها در روز اولکه آنها به فروش رفتند - یک دستاورد قابل توجه برای هنرمندی که هنوز در اوایل سی سالگی خود بود.

"اپ آرت" - 1965

مکث – بریجت رایلی 1964 – امولسیون روی برد 115.5×116

در همین زمان بود که اصطلاح "اپ آرت" وارد آگاهی عمومی شد. اوپ آرت تخیل مردم را جذب کرد و بخشی از نوسانی دهه شصت شد. صنایع مد، طراحی و تبلیغات عاشق الگوهای گرافیکی، نشانه مانند و ارزش تزئینی آن شدند. Op Art جالب بود و بریجت رایلی به مشهورترین هنر بریتانیا تبدیل شد.

اساس جنبش آپ آرت شکلی از انتزاع هندسی بود که به نوعی غیرشخصی بود و آشکارا با دنیای واقعی مرتبط نبود. من نمی‌توانستم از طریق دیدن، تشخیص و بازآفرینی به آنچه می‌خواستم نزدیک شوم، بنابراین مشکل را روی سرش ایستادم. شروع کردم به مطالعه مربع ها، مستطیل ها، مثلث ها و احساساتی که آنها به وجود می آورند... اینکه کار من به انگیزه ادبی بستگی دارد یا قصد تصویری دارد، صحت ندارد. علائم روی بوم تنها عوامل اساسی در مجموعه ای از روابط هستند که ساختار نقاشی را تشکیل می دهند.(بریجت رایلی)

ظهور رنگ - 1967

آب مروارید 3 – بریجت رایلی 1967 PVA روی بوم 223.5×222

"موسیقی رنگی، این چیزی است که من می خواهم"(بریجت رایلی)

معرفی رنگ رایلی به کارش چیزی بود که او محتاط بود. نقاشی های سیاه و سفید به اختلال در عناصر پایدار بستگی دارد. هیچ مبنای ثابتی برای رنگ نمی توان یافت زیرا درک رنگ نسبی است - هر رنگ بر رنگ های کناری خود تأثیر می گذارد و تحت تأثیر قرار می گیرد. با گذشت زمان، او شروع به پذیرش این بی ثباتی ذاتی کرد و آن را اساس کار خود قرار داد.

از سال 1967 به بعد رایلی به طور فزاینده ای شروع به استفاده از رنگ کرد. او همچنین شروع به استفاده از فرم های تثبیت شده تری کرد - اغلب خطوط مستقیم عمودی یا موج دار ساده. این موقعیت خود رنگ بود که احساس حرکتی را که او می خواست منتقل کند ایجاد کرد. گروه‌بندی‌های رنگی بر فضاهای بین آنها تأثیر می‌گذارد تا اجمالی زودگذر از رنگ‌های دیگر ایجاد کند و در نتیجه توهم حرکت را ایجاد کند.

رنگ در عمل - دهه 1970

Zing 1 – Bridget Riley 1971 – اکریلیک روی بوم 101.6×88.9

نقاشی های بریجت رایلی در اواخر دهه 1960 و 70 عمدتاً به واکنش بصری و احساسی به رنگ توجه داشت. او در این دوره با پالت ها و فرم های مختلف آزمایش کرد. Zing 1 (نشان داده شده در سمت راست) با استفاده از نوارهای عمودی پیچ خورده برای ایجاد مناطق افقی رنگ، یک تم پیچش رنگ را معرفی کرد.

به دنبال نوآوری Zing 1، در اواسط دهه 1970، بریجت بیشتر و بیشتر از منحنی ها در کار خود استفاده کرد. این نقاشی‌های «منحنی» شاهد گسترش درک او از رابطه رنگ و نور بود. نقاشی‌های منحنی رایلی برخی از آرام‌ترین و احساسی‌ترین آثار او هستند، چیزی که در عناوین اغلب شاعرانه و موسیقایی آنها منعکس شده است.

تا سال 1978 رایلی خود را به سه رنگ برای هر یک از نقاشی هایش محدود کرد. سری آهنگ اورفئوس در سال 1978 این تعداد را به 5 نفر افزایش داد. گسترش بیشتر هنوز در راه بود.

اتصال مصر - 1981

RA 2 – بریجت رایلی 1981 – صفحه ابریشم روی کاغذ 108×94.5

در سال 1981 او از مصر دیدن کرد و با رنگ‌هایی که در هنر مصر باستان استفاده می‌شد، مسحور شد. رنگ‌ها خالص‌تر و درخشان‌تر از رنگ‌هایی هستند که قبلاً استفاده کرده بودم.او نوشت

در «آرایش جانبخش رنگ‌ها» که مصری‌ها بیش از 3000 سال از آن استفاده می‌کردند، رایلی گروهی از رنگ‌ها را پیدا کرده بود که به‌عنوان یک طرح رنگ کاملاً کار می‌کردند. آن‌ها درخشش فردی خود را حفظ کردند و همچنان رنگ‌ها و جلوه‌های نوری جدید را در فضاهای بین گروه‌های رنگی ایجاد کردند. با این رنگ‌ها احساس می‌کرد که شدت رنگ و درخشش نور را که همیشه به دنبالش بود، یافته است.

قبل از این مرحله استفاده از رنگ در آثار رایلی سفارش شده بود و پیشرفت آن در سراسر بوم قابل پیگیری بود. نقاشی های «مصری» آغاز سازماندهی رنگ آزاد است، چیزی که او تا به امروز از آن استفاده می کند.

بریجت رایلی - کار خارج از استودیو - 1982-83

نصب بیمارستان رویال لیورپول – بریجت رایلی 1983

در سال 1982-1983 بریجت رایلی توسط مدیر باله رامبرت مأمور شد تا صحنه‌های باله جدیدی را که به نام «حرکت رنگی» شناخته می‌شود، طراحی کند. این یک سفارش غیرعادی بود زیرا طراحی صحنه قبل از آهنگسازی و طراحی رقص و در واقع الهام بخش اصلی کار بود. این باله اولین بار در جشنواره ادینبورگ در سال 1983 اجرا شد و با موفقیت در تور برگزار شد.

انحراف دیگر از کار معمولی استودیویی او شامل تولید یک سری نقاشی های دیواری رنگارنگ برای بیمارستان رویال لیورپول در سال 1983 بود (نشان داده شده در سمت راست).

رایلی فضای داخلی را با استفاده از نوارهای رنگی آبی، سفید، صورتی و زرد ایجاد کرد که برای آرامش بیماران در نظر گرفته شده بود. به نظر می رسد که او در آنچه که برای دستیابی به آن برنامه ریزی کرده بود موفق بوده است. فضای داخلی بسیار مورد تحسین قرار گرفت و باعث کاهش قابل توجهی در سطح خرابکاری و گرافیتی در بیمارستان شد.

نقاشی های لوزی - اواسط دهه 1980 و 1990

از اینجا – بریجت رایلی، 1994 – روغن روی کتانی 156.2×227.3

در اواسط دهه 1980، کار بریجت رایلی به تدریج از یک فاصله گرفت ساختنایجاد حس برای پاسخ ادراکی، و در عوض به سمت هنر احساس بصری خالص، تلقی کردن فرم و رنگ به عنوان «هویت های نهایی»، به عنوان چیزهایی در خود. واحدهای رنگ بر اساس اصول رابطه و تعامل رنگی چیده شدند، اما به طور فزاینده ای به معنای ریتم، فضا و عمق مرتبط بودند.

رایلی شروع به ترکیب عناصر "لوزی" مورب از چپ به راست کرد که در سراسر عمودها قطع می شود و صفحه تصویر را در هم می شکند. صفحات رنگی به طور متناوب جلو می روند و عقب می روند و باعث ایجاد تضاد در رنگ، تن، تراکم و جهت می شوند.

رایلی درباره این دوره گفت: من سعی می‌کنم احساس را به عنوان خط راهنما در نظر بگیرم و با روابطی که می‌خواهد، پارچه‌ای پلاستیکی بسازم که دلیل وجودی دیگری ندارد، مگر اینکه احساسی را که از آن خواسته می‌شود، تطبیق دهد.»

اواخر دوره - 2000 تا به امروز

دو بلوز – بریجت رایلی، 2003 – روغن روی کتانی 54.5×53

اکنون بریجت رایلی در اواخر دهه 70 خود همچنان به کار خود ادامه می دهد. نمایشگاه‌هایی از آثار او در سرتاسر جهان برگزار می‌شود - سیدنی، توکیو، نیویورک، زوریخ، لندن و تنها به برخی از شهرهایی که اخیراً آثار او در آن‌ها نمایش داده شده است، اشاره می‌شود.

در سال 2007 نمایشگاهی از پانزده نقاشی که بین سال‌های 2005 تا 2006 در گالری تیموتی تیلور لندن انجام شده بود، برگزار شد. دوباره تصاویر او تغییر کرده بود. اشکال نقاشی‌های «لوزی» در دهه‌های 1980 و 1990 سراسر عمودی را در بر می‌گرفت، اما این بار آن‌ها عربی‌های سیال در رنگ‌های ملایم‌تر بودند - آبی، سبز، یاسی و نارنجی کم‌رنگ.

بریجت رایلی یک مبتکر ثابت در زمینه کاری خود است که دائماً با ایده های جدیدی آزمایش می کند که نشانگر حرکت های جدید است. به همین دلیل هیچ کس نمی تواند واقعاً بداند که آینده از نظر هنر اصیل و منحصر به فرد او که هم از خودش و هم برای کسانی که آنها را می بینند، چه چیزی را به همراه خواهد داشت.

بریجت رایلی در استودیو - چگونه کار می کند

بریجت رایلی در حال مخلوط کردن رنگ در استودیوی خود در لندن - عکس: بیل وارهرست

نقاشی‌های اصلی بریجت رایلی بسیار بزرگ هستند و ممکن است شش تا نه ماه طول بکشد تا تقریباً تکامل یابد. او با انجام مطالعات رنگی کوچک در گواش شروع می کند. دست رایلی همه رنگ‌ها را مخلوط می‌کند، زیرا رنگ و شدت دقیق آن حیاتی است و باید ثابت نگه داشته شود.

مطالعات موفقیت آمیز منجر به یک کاغذ و کارتون گواش در اندازه کامل می شود که کار نهایی را نشان می دهد. سپس اینها بزرگ شده، خط کشیده، زیر رنگ با اکریلیک و بیش از حد در روغن رنگ می شوند. همه چیز با دست رنگ می شود - هیچ خط کش، نوار ماسک یا وسایل مکانیکی در هنگام استفاده از رنگ ها استفاده نمی شود. رایلی از دهه 1960 به دلیل مقیاس بزرگ و نیاز به دقت زیاد با دستیاران کار کرده است.

بریجت رایلی سی بی ای یکی از متولیان گالری ملی در لندن است.

بریجت رایلی در مورد ریتم و تکرار

هنر نوری یا اپ آرت (از کلمه انگلیسیهنر نوری) جهتی در نقاشی هنری نیمه دوم قرن بیستم است که ویژگی های متمایز آن توهمات نوری ناشی از ادراک تحریف شده از اشکال و اشکال واقع در فضا بود.

این جنبش ادامه منطقی یکی از جهت گیری های مدرنیسم - تکنیک گرایی است. موسس آن هنرمند فرانسوی ویکتور وازارلی در نظر گرفته می شود.

از دیدگاه علمی، اولین آزمایشات با توهمات نوری در پایان قرن نوزدهم ظاهر شد. پروفسور تامپسون مقاله ای را در یک مجله علمی منتشر کرد که در آن، به عنوان مثال، دو صفحه دایره ای به تصویر کشیده شده بود که احساس حرکت را ایجاد می کرد. به عنوان یک جنبش هنری، اپ آرت در سال 1965 در نمایشگاهی در موزه هنر مدرن نیویورک برای عموم شناخته شد. بعدها، نمایشگاه های جمعی از نمایندگان مختلف این جنبش هنری در سراسر جهان با موفقیت برگزار شد: گروه صفر (دوسلدورف)، گروه T (میلان) و بسیاری دیگر.

توهمات نوری بر اساس ویژگی های ادراک بصری انسان است، این اعوجاج در ابتدا در مکانیسم اندیشیدن به فضای اطراف توسط چشم انسان وجود دارد، به عبارت دیگر تصویر نه تنها در واقعیت، بلکه در مغز فرد نیز وجود دارد. . در نتیجه، دانشمندان ثابت کرده اند که فرآیند ادراک بصری بر اساس تعدادی از قوانین پیش می رود که هنرمندان با موفقیت از آنها برای خلق آثار خود استفاده کرده اند.

هنرمند بریجت رایلی در نقاشی خود آب مروارید 3 جلوه ای موج مانند ایجاد می کند. او در یکی دیگر از کارهایش، انحنای مستقیم، یک مارپیچ چرخان از خطوط سیاه و سفید می سازد.

بریجت رایلی. "آب مروارید-3". 1967

با گذشت زمان، اپ آرت به یک جنبش جهانی تبدیل می شود. هنرمندان کشورهای مختلف نقاشی های نوری خلق می کنند و نمایشگاه های جمعی برگزار می کنند. در ایتالیا ماری کلمبو، در اسپانیا دوارت ایبارولا، در اتحاد جماهیر شوروی ویاچسلاو کولیچوک است.

بعدها ویژگی های Op Art در طراحی صنعتی، پوستر و هنر دکوراسیون کاربرد گسترده ای یافت.

آثار معروف در سبک اوپ آرت

جوزف آلبرز یکی از بنیانگذاران اپ آرت، هنرمند، طراح، شاعر و معلم آلمانی و آمریکایی است. در این توهم نوری، آلبرز با ادراک فضا آزمایش می کند، با بازی با چینش خطوط، نشان می دهد که چگونه عمق فضا را می توان به طور مبهم درک کرد. فیگورهای مستطیلی سیاه در زوایای مختلف با یکدیگر تلاقی می کنند و درک بیننده را از بین می برند که مشخص نیست چه چیزی در جلو و چه چیزی در پشت است.

خطوط سیاه و سفید زیگزاگ احساس چرخش دایره ای را ایجاد می کنند. مغز تصویر را تفسیر می کند، الگو را به طور متناوب تغییر می دهد، و به نظر می رسد که دایره در حال حرکت است. خود رایلی می‌گوید: «کار من از طریق تجزیه و تحلیل تجربی و سنتز توسعه یافته است، و من همیشه بر این باور بوده‌ام که ادراک رسانه‌ای است که از طریق آن تجربیات واقعی زندگی فیلتر می‌شوند.»

ویکتور وازارلی Duo-2 1967. متضاد سایه‌های گرم و سرد، توهم مبهمی از ساختار سه‌بعدی ایجاد می‌کند. آیا مقعر هستند یا محدب؟ این توهم آنقدر واقع بینانه است که فراموش می کنیم فقط یک تصویر است و نه یک ساختار سه بعدی واقعی.

سوتو، که در سال 1950 از ونزوئلا به فرانسه آمد، یکی از معدود هنرمندان آمریکای جنوبی بود که سهم مهمی در توسعه اپ آرت و هنر جنبشی داشت. به نظر می رسد اثر «کره پاریس» با فرم خود، جاذبه را به چالش می کشد و به منشا پیدایش جهان و جهان شباهت دارد. کار از نخ های لاستیکی آبی نازک ایجاد شده است. سوتو از اواسط دهه 1960 شروع به ساخت این نوع کار کرد و اگرچه این قطعه سال ها پس از شروع افول جنبش هنری OP خلق شد، اما جذابیت و ارزش هنری خود را از دست نداده است. و خود هنرمند نیز به خاطر پایداری خلاقانه و فداکاری خود به هنر هنری احترام می گذارد.

موزه هنر مدرن پاریس میزبان نمایشگاهی از «ملکه توهمات نوری» بریجت رایلی، که کارش به نمادی از «Swinging Sixties» تبدیل شد.

در سال های اخیر دهه شصت مد شده است. فقط باید به یاد بیاوریم که چگونه چند سال پیش هر مد لباسی وظیفه خود می دانست که برای خود چیزهایی به سبک "لند چرخان" بخرد. تمام فروشگاه های مد مملو از لباس های کوچک با الگوهای هندسی دقیق، کت های بی شکل با دکمه های بزرگ و جواهرات بزرگ است. سال گذشته، سراسر آمریکا چهلمین سالگرد معروف "تابستان عشق" را جشن گرفت - کتاب های زیادی در مورد زیبایی شناسی هیپی و هنر روانگردان منتشر شد. فرانسه امسال "سالگرد" خود را جشن می گیرد: چهل سال پیش "مه 68" اتفاق افتاد. البته به احترام این رویدادها و بسیاری از رویدادهای دیگر، موزه ها و گالری ها نمایشگاه های بسیار جالبی ترتیب می دهند. در جایی عکس هایی از هیپی های شاد کالیفرنیایی و شورشیان دانشجوی فرانسوی به نمایش گذاشته شده است، در جایی - پوسترهای گروه های روانگردان، و در جایی - آثار نمایندگان "ضد فرهنگ" که اکنون هنرمندان بزرگ معاصر محسوب می شوند. موزه‌های بزرگ به جنبش‌های هنری ادای احترام می‌کنند که در دهه 1960 در اوج مد بودند، اما وارد قرن بیست و یکم شدند که تقریباً فراموش شده بودند. تابستان امسال، موزه هنرهای مدرن در پاریس نمایشگاهی را افتتاح کرد که به اوپ آرت یا بهتر بگوییم مهمترین نماینده آن - بریجت رایلی زن انگلیسی اختصاص داشت.

ابتدا باید دریابید که اپ آرت چیست و با چه چیزی خورده می شود. Op art مخفف English Optical Art است که به معنای "هنر نوری" یا "هنر توهمات نوری" است. نقاشی های ساخته شده در این ژانر همیشه انتزاعی هستند، اغلب یک انتزاع هندسی دقیق. اپ آرت چیزهای زیادی را از Color Field Painting، نوعی اکسپرسیونیسم انتزاعی گرفته است. وقتی کلمه "اکسپرسیونیسم انتزاعی" را می شنوید، همه جکسون پولاک را در حال پاشیدن رنگ بر روی بوم تصور می کنند، اما فراموش نکنید که هنرمندانی مانند مارک روتکو، بارنت نیومن و دیگران نیز به این جنبش تعلق داشتند ، تابلوهای نقاشی "حوزه رنگ". اما نقاشی های آنها ثابت است که نمی توان در مورد نقاشی های هنرمندان اپ آرت گفت. فرم‌های هندسی روی بوم‌های نمایندگان این جنبش، مانند بریجت رایلی، ویکتور وازارلی و عیسی رافائل سوتو، «ایستاده» نیستند: حرکت می‌کنند، در یکدیگر جاری می‌شوند، می‌درخشند، می‌درخشند، متورم می‌شوند و به طور کلی... آنها زندگی می کنند. بیننده مدرن، البته، از چنین منظره ای شگفت زده نخواهد شد - چشم او قبلاً به اشکال شناور در محافظ صفحه نمایش رایانه عادت کرده است. اما برای استفاده از روغن روی بوم... رابرت و سونیا دلونای، آینده پژوهان ایتالیایی و بسیاری دیگر سعی کردند حرکت را در نقاشی های خود منتقل کنند، اما فقط هنرمندان اپ آرت. Vasarely، Riley و دیگران ایده های هنرمندانی مانند Laszlo Moholy-Nagy و Josef Albers را توسعه می دهند، که زمانی که معلمان مؤسسه Bauhaus بودند، به دانش آموزان یاد می دادند که چگونه توهمات نوری ایجاد کنند. آلبرز حتی کتابی به نام «تقابل رنگ‌ها» نوشت که در آن درک چشم انسان از رنگ و فضا را بررسی کرد. به لطف این اثر و همچنین مجموعه نقاشی های معروف "تقدیم به میدان"، این هنرمند آلمانی به عنوان پدر هنر هنری شناخته می شود.

یکی از مهم ترین ویژگی های اپ آرت، تعامل نقاشی با بیننده است. به گفته بریجت رایلی، یک اثر هنری تنها زمانی اتفاق می افتد که نقاشی جلوی چشمان شخص باشد. بوم های او (و آثار دیگر هنرمندان اپ آرت) به خودی خود نقاشی هایی هستند که برخی از فرم های انتزاعی را به تصویر می کشند. آنها فقط زمانی شروع به حرکت می کنند و می درخشند که کسی به آنها نگاه کند. این منطبق بر یکی از اصول اصلی هنر مدرن است که توسط مارسل دوشان مطرح شده است: یک ادراراب یک ادرار است، اما وقتی در موزه به نمایش گذاشته می شود، جایی که آنها به آن نگاه می کنند و در مورد آن صحبت می کنند، این یک ادرار نیست، اما یک اثر هنری

توهمات نوری توسط رایلی و همکارانش در دهه شصت قرن گذشته مطرح شد. آثار اپ آرت بسیار «روان‌گردان» هستند: با ایستادن در مقابل آنها، فرار از این فکر که توهم کوچکی از شما بازدید کرده است دشوار است. انتزاع های هنرمندان اوپ آرت بر روی لباس های مینی فوق شیک مری کوانت ظاهر شد و شروع به نمادی از جنون شادی "لندن در حال چرخش" کرد. عموم مردم واقعاً اپ آرت را دوست داشتند. ایده های این هنرمندان به طور فعال برای اهداف تجاری مورد بهره برداری قرار گرفت: بریجت رایلی حتی مجبور شد از یکی از شرکت هایی که قصد استفاده از نقوش مورد علاقه او را به عنوان طرح روی پارچه استفاده می کرد، شکایت کند. نقوش اپ آرت حتی بر روی پوستر بازی های المپیک مکزیکو سیتی در سال 1968 ظاهر شد! با وجود همه اینها، منتقدان به این جنبش بدبین بودند. همانطور که اولف اردمان زیگلر در روزنامه Die Tageszeitung می نویسد، در آن زمان اپ آرت توسط جنبش های قدرتمندی مانند مینیمالیسم، هنر مفهومی، لند آرت و هنر پاپ کوتوله تلقی می شد. برای مدت طولانی، نقاشی ها و اشیاء شرکت کنندگان در جنبش گرد و غبار را در انبارهای موزه جمع می کردند. اما اکنون آنها به طور انبوه بیرون آورده می شوند و به نمایش گذاشته می شوند: بسیاری از نمایشگاه های اختصاص داده شده به اپ آرت افتتاح می شوند. به عنوان مثال، گالری آلبرایت ناکس در نیویورک نمایشگاهی را افتتاح کرد که در آن تأثیر هنر اپ در هنر معاصر بررسی می شد.

نمایش گذشته بریجت رایلی در پاریس در 12 ژوئن افتتاح شد. این اولین نمایشگاه بزرگ این هنرمند در فرانسه است. بریجت رایلی در سال 1931 به دنیا آمد. او با نقاشی به سبک امپرسیونیستی شروع کرد و سپس جذب دیویزیونیسم شد. کار ژرژ سورات تأثیر زیادی بر رایلی گذاشت و رویکرد "علمی" به هنر را در او القا کرد. نقاشی های اولیه این هنرمند فیگوراتیو بود، اما پس از بازدید از نمایشگاهی از آثار جکسون پولاک، تصمیم گرفت تا توان خود را در نقاشی انتزاعی امتحان کند. بسیاری از هنرمندان انتزاعی که مشهور و قابل احترام شده اند، خلاقیت های اولیه خود را انکار می کنند و آنها را مطالعات دانشجویی ناچیز می دانند. اما نه رایلی: در نمایشگاه گذشته در پاریس می توانید آثار بسیاری را که در همان ابتدای کار او خلق کرده است ببینید. او با اشاره به پیوند ناگسستنی بین مناظر اولیه‌اش و نقاشی‌های اوپ آرت بعدی‌اش، با عصبانیت می‌گوید: «هیچ مفهوم بی‌عیب و نقصی وجود ندارد». الهام بخش اصلی رایلی طبیعت است، به ویژه مناظر کورنوال، جایی که او در آن بزرگ شده است. به گفته او، شما باید به نقاشی های او همان گونه نگاه کنید که به جنگل ها، کوه ها، دریاها...

مشهورترین آثار رایلی سیاه و سفید هستند، اما از دهه 1980 او به طور فعال به بررسی احتمالات رنگ و تضاد رنگی پرداخته است. در دهه 1960 آنها گفتند که به لطف نقاشی های رایلی، بیننده این فرصت را دارد که احساساتی شبیه دریازدگی یا پرش با چتر نجات را تجربه کند.

بریجت رایلی درباره اینکه چگونه ریشه های کارش در یک سنت تاریخی چند صد ساله نهفته است، بسیار صحبت می کند. او درباره هنرمندانی از نیکلاس پوسین گرفته تا بروس نائومان نوشته است و نمایشگاهی را در گالری ملی لندن با نقاشی‌های تیتیان، پائولو ورونز، و ال گرکو، پیتر پل روبنس، پوسین و سزان به نمایش گذاشته است. برای یک بازنگری در پاریس، هنرمند از موزه اورسی چند نقاشی از سزان، سورات و کلود مونه درخواست کرد، اما موزه معروف پاریس او را رد کرد.

بازار آثار بریجت رایلی چگونه است؟ او در حال حاضر، نه بیشتر و نه کمتر، نویسنده گران ترین اثر در میان هنرمندان زنده بریتانیایی است. اخیراً در حراجی ساتبیز، نقاشی او به نام «آهنگ 2» به قیمت 4.5 میلیون دلار فروخته شد. البته رایلی با موفقیت دیوانه وار حراج هموطنش لوسیان فروید فاصله زیادی دارد، اما این را می توان توضیح داد. وضعیت کلیدر بازار هنر، جایی که

از نظر تاریخی این اتفاق افتاد که تقریباً همه هنرمندان مشهور مرد هستند. امروز ما این اسطوره را نابود خواهیم کرد. از توهمات نوری خیره کننده بریجت رایلی گرفته تا آزمایش های جسورانه و جسورانه تریسی امین، 8 نام زن بزرگ را نام می بریم که اثر خود را در هنر معاصر به جا گذاشته اند.

مارلن دوما

مارلن دوما هنرمند هلندی اهل کیپ تاون است. او عمدتاً با استفاده از مدل‌هایی از روزنامه‌ها، مجلات و عکس‌های پولاروید پرتره می‌کشد. او با استادی "روی خیس" نقاشی می کند و آثاری آزاردهنده، تاریک و اغلب تحریک آمیز خلق می کند. دوما توانست به یکی از گران ترین هنرمندان زمان ما تبدیل شود. نقاشی‌ها و طراحی‌های او معمولاً تحریک‌آمیز به نظر می‌رسند: چهره‌ها و بدن‌های خزنده، تحریف‌شده، ترکیب‌های رنگی آزاردهنده، خروج مواد مخدر از فرم‌ها. موضوعات دوما سیاست، نژاد و تمایلات جنسی، گناه و بی گناهی، خشونت و لطافت است.

تریسی امین

تریسی امین هنرمند، کارگردان و بازیگر انگلیسی، یکی از مشهورترین نمایندگان گروه هنرمندان جوان بریتانیایی است. علاوه بر نقاشی های خود، این هنرمند به دلیل نصب "تخت من" مشهور است ( تخت من، در نمایشگاه جایزه ترنر 1999 به نمایش گذاشته شد. این نصب شامل یک تخت کثیف و ساخته نشده با وسایل شخصی پراکنده در اطراف آن، از جمله کتانی خونی و کاندوم های استفاده شده بود.

جنی ساویل

جنی ساویل یک هنرمند معاصر بریتانیایی است که به خاطر نقاشی های به یاد ماندنی اش که شخصیت های اصلی آن تصاویر زنانه بودند، شهرت دارد. در سال 1994، او بیش از 48 ساعت را صرف مشاهده کار جراحان پلاستیک در کلینیک های نیویورک کرد و شاهد تولد یک زیبایی جدید بود که متعاقباً بر کار او تأثیر گذاشت.

یایو کوساما

نقاشی‌ها، کلاژها، مجسمه‌های نرم، اجراها و اینستالیشن‌های این هنرمند ژاپنی در وسواس تکرار، الگو، انباشتگی مشترک هستند. خود یایویی خود را یک "هنرمند اجباری" توصیف می کند و از بیماری روانی رنج می برد. در 12 نوامبر 2008، در حراج کریستی، کار او به قیمت 5،100،000 دلار فروخته شد که برای یک هنرمند زن زنده یک رکورد بود.

جولی مهرتو

جولی مهرتو به‌خاطر نقاشی‌های غنی و بزرگش شناخته می‌شود. به عنوان مثال، Retopistics: A Renegade Excavation (2001) ابعاد 2.59 x 5.49 متر در آثار Meretou، لایه های رنگ اکریلیک توسط خطوط ساخته شده با نشانگر، مداد و جوهر قطع می شود. آثار او طیفی از قیاس‌ها را برمی‌انگیزد - از پویایی آینده‌نگران ایتالیایی و انتزاع هندسی گرفته تا اکسپرسیونیست‌های انتزاعی. نقطه شروع مرتو معماری و شهری مدرن با سرعت زندگی سریع و خیابان های پرجمعیت است.

بریجت رایلی

بریجت رایلی هنرمند معاصر انگلیسی، یکی از بزرگترین نمایندگان هنرهای هنری است. بریجت رایلی، هنرمند بریتانیایی، در دهه 1960 "نوسان" با ترکیباتی که چشمان بینندگان را خیره، سرگیجه و حتی کمی حالت تهوع می‌کرد، وارد شد. نگاه کردن به کارهای بریجت رایلی یک فعالیت شاد است، اما نیاز به تمرکز و توجه دارد. حتی گرفتن چشم از آنها سخت تر است. شما می توانید اصولی را که بر اساس آنها نقاشی های او ساخته شده اند به هر اندازه که دوست دارید مرتب کنید، اما این جذابیت عرفانی آنها را توضیح نمی دهد.

پائولا رگو

پائولا رگو هنرمند، تصویرگر و چاپگر پرتغالی است که در بریتانیا زندگی و کار می کند. او دائماً خلاقیت خود را با سبک ها و تکنیک های جدید به روز می کند. از کلاژهای دهه‌های 1950 و 60، مجموعه‌های حیوانات دهه 80 تا ترکیب‌بندی‌های بزرگ، پاستل‌ها و مجموعه‌ای از چاپ‌ها، حکاکی‌ها و لیتوگرافی‌های امروزی که بر پایه تخیل و خاطرات کودکی او ساخته شده‌اند. وظیفه اصلی او این است که به صورت بصری داستان غیرمعمول و جذاب خود را بیان کند.